Sa mission consiste à informer les gens du projet artistique du théâtre pour lequel il/elle travaille, de ses activités et de son actualité. Il/elle crée, réalise et fait le suivi et la diffusion des différents outils de communication (brochures, affiches, programmes de salle, site Internet, réseaux sociaux, etc.). Il/elle est très en lien avec les journaux, revues, radio et autres médias susceptibles de relayer ces informations. Il/elle invente cette communication selon une charte graphique qui définit l’identité visuelle de la structure, et permet ainsi de la faire connaître au plus grand nombre.

Sa mission est de partir à la recherche de nouveaux publics et de communiquer sur l’image et l’esprit du théâtre ou du lieu pour lequel il/elle travaille. Il/elle travaille souvent très en lien avec les médiateurs/médiatrices et les personnes en charge de la communication.

Son rôle est de créer les conditions de la rencontre entre l’œuvre, l’artiste et les spectateurs/spectatrices. Pour arriver à cela, le médiateur/la médiatrice imagine avec les artistes et/ou certains membres de l’équipe du théâtre plusieurs actions autour du spectacle (ateliers, conférences, repas, stages, visites…). Il/elle partage son point de vue sur le spectacle avec le plus grand nombre et participe ainsi à la diffusion du savoir chorégraphique.

Au sein de l’Académie royale de musique et de danse de Paris, il s’agissait du plus haut grade de la hiérarchie du corps de ballet. Au XVIIème siècle, le maître de ballet est chargé de composer les danses des divertissements des tragédies lyriques, comédies-ballets et opéras-ballets ; il distribue les rôles et conduit les répétitions. Jusqu’au XIXème siècle le maître de ballet est le seul chorégraphe de la troupe et le gardien du répertoire. À partir du XXème siècle, il n’a plus forcément le rôle de/de la chorégraphe. Il assiste donc le créateur/la créatrice en supervisant les répétitions et en assurant la transmission du répertoire.

Le ou la machiniste est le technicien/la technicienne qui s’occupe des changements de décors et des machines à effets spéciaux pendant la représentation.

Le régisseur ou la régisseuse plateau est le/la technicien/ne qui s’occupe du plateau et de la coulisse pendant la représentation. Il/elle vérifie que tous les accessoires soient en place, signale les entrées des danseurs/danseuses sur le plateau et gère le travail des machinistes.

Le régisseur ou la régisseuse lumière est le/la technicien/ne qui s’occupe à la fois de l’installation lumière d’un spectacle et de gérer les effets de lumière pendant le spectacle. Son travail consiste à coordonner les effets lumières avec le déroulement de la représentation.

Le régisseur ou la régisseuse son est le/la technicien/ne qui s’occupe à la fois de l’installation sonore d’un spectacle et de gérer les effets sonores pendant la représentation. Son travail consiste à coordonner le déclenchement des bandes sonores avec le déroulement de la représentation.

Le régisseur ou la régisseuse général/e est la personne qui va s’occuper de toute la partie technique du spectacle et travaille donc aussi en collaboration avec le régisseur/la régisseuse son, le régisseur/la régisseuse lumière et le régisseur/la régisseuse plateau. Son travail consiste à adapter la pièce aux conditions techniques du théâtre. Il/elle organise les répétitions et rédige un cahier de régie avec toutes les indications de changements de lumière, de son et de décors.

Le directeur ou la directrice technique est la personne qui est responsable de tous les équipements du théâtre. Son travail consiste à superviser le travail des différents/tes régisseurs/régisseuses et à assurer le bon fonctionnement et le renouvellement de tous les équipements. Il/elle peut aussi apporter des conseils aux créateurs/créatrices son et lumière qui sont en résidence dans le théâtre.

Le directeur ou la directrice artistique est la personne qui a la responsabilité de la programmation des spectacles et donc du choix des chorégraphes dont les pièces seront représentées sur scène. Son travail consiste à étudier à l’avance un grand nombre de pièces afin de voir celles qui abordent de vrais enjeux artistiques. Il peut également soutenir les chorégraphes qui se lancent dans la création de nouveaux spectacles en leur proposant des résidences.

Le directeur administratif ou la directrice administrative est la personne qui a la responsabilité de la gestion de tout le personnel, du financement et de la gestion administrative du théâtre.

La personne qui danse sur une scène est appelée danseur ou danseuse. Mais on peut dire de toute personne qui danse, aussi bien sur scène que dans la rue ou en boîte de nuit, qu’elle est une danseuse ou un danseur. Lorsque danser devient un métier, on peut utiliser d’autres mots pour préciser le rapport que le danseur/la danseuse entretient avec la danse et son rôle dans un spectacle.

La majeure partie des danseurs/danseuses professionnels/les sont interprètes ou ont été interprètes. Être interprète suppose un certain rapport à la danse. C’est un travail à part entière. Si le/la chorégraphe est celui/celle qui invente la chorégraphie et est l’auteur/e de la pièce, la chorégraphie n’existe que lorsqu’elle est dansée. Le/la chorégraphe a besoin des danseurs/danseuses qui, avec leur propre corps, vont faire exister la danse. Être interprète c’est d’un côté recevoir les indications de mouvements et les idées du/de la chorégraphe et d’un autre côté, c’est inventer sa propre manière de danser. Tout interprète est donc en partie auteur/e de sa danse.

Un performeur ou une performeuse n’est pas forcément un danseur/une danseuse professionnel/le mais un artiste qui utilise le mouvement ou une autre forme artistique pour s’exprimer (la parole, la vidéo, le dessin). Le danseur est appelé danseur-performeur lorsqu’il se met lui-même en scène. Le cœur du spectacle n’est plus la danse mais la danse devient un moyen d’expression grâce auquel le performeur/la performeuse questionne sa propre place dans la société. La performance est un mode spectaculaire qui est apparu au début des années soixante lorsque l’art commençait à questionner sur lui-même et sur la société. Dans la performance il ne s’agit pas de construire une pièce ayant un début, un milieu, une fin, mais de produire un choc ou une expérience éphémère en public.

Son rôle est de faire connaître le spectacle et de convaincre des programmateurs/programmatrices de l’accueillir dans le théâtre pour lequel il/elle travaille ou de le proposer dans leur saison culturelle. Il/elle accompagne souvent le spectacle en tournée.

Il/elle collabore à la création d’un projet artistique. Son rôle est d’établir un budget (composé de dépenses et de recettes) et de réunir des partenaires pour que le spectacle puisse voir le jour. Il/elle s’occupe également de l’intendance matérielle et humaine du spectacle.

L’administrateur/administratrice est la personne qui s’occupe de toutes les démarches administratives dans les compagnies ou les théâtres. Il/elle a en charge de coordonner les actions de toutes les personnes qui y travaillent, de faire le lien entre l’artistique et la gestion administrative et de trouver des financements pour le bon fonctionnement de la structure.  Sa présence est indispensable pour la vie d’une compagnie ou d’un théâtre.

Dans certaines grandes compagnies qui ont beaucoup de spectacles en tournée, le/la chorégraphe ne peut pas accompagner tous les danseurs/danseuses dans les lieux de représentation. Il y a donc une personne généralement un danseur/une danseuse qui est dans la compagnie depuis très longtemps qui s’occupe de transmettre (d’apprendre) les anciennes chorégraphies aux nouveaux danseurs/danseuses, et de faire répéter les pièces qui vont être jouées.

Comme le/la photographe, le ou la vidéaste a un double rôle car ses vidéos peuvent être utilisées autant pour la diffusion que pour la création d’une pièce. La place du/de la vidéaste dans la création de la pièce peut être plus importante que celle du/de la photographe. Car la vidéo peut servir à écrire la chorégraphie. Certains chorégraphes filment les danseurs/les danseuses lorsqu’ils/elles dansent pour pouvoir analyser avec eux leurs mouvements dans le but de les corriger. Mais la vidéo peut aussi être un élément artistique à part entière et donc prendre sa place dans la pièce. La relation des danseurs/danseuses avec la vidéo est alors différente car elle ne sert plus à analyser leurs mouvements. Les danseurs/danseuses doivent dans ce cas danser avec l’image filmée.

Le rôle d’un/d’une photographe dans la compagnie peut être double. Ces photos peuvent servir à la diffusion d’une pièce. Elles vont illustrer les documents de présentation qui vont être lus par les programmateurs/programmatrices susceptibles d’acheter la pièce, ainsi que par les spectateurs/spectatrices et les journalistes. Mais ces photos peuvent aussi servir au travail de création de la pièce car elles donnent une image de la chorégraphie, des gestes des interprètes et peuvent donc offrir un autre point de vue au/à la chorégraphe sur la danse.

Le régisseur ou la régisseuse est la personne qui va s’occuper de toute la partie matérielle du spectacle et travaille donc aussi en collaboration avec les créateurs/créatrices lumières, sons et costumes. Son travail comporte deux moments. Dans un premier temps, il/elle s’occupe de la gestion des décors et du matériel de lumière et de son. Si la pièce de danse part en tournée, elle va changer de théâtre et de lieux de représentation, son travail consiste donc à gérer le transport du matériel mais aussi à l’adapter à chaque nouveau théâtre. Tous les théâtres n’ont pas forcément la même architecture ni les mêmes moyens matériels, c’est donc au régisseur/à la régisseuse de faire en sorte que la scénographie, la création son et lumière puissent fonctionner. Il/elle lui arrive parfois de devoir adapter la pièce de danse à l’architecture du théâtre. Dans un second temps, il/elle s’occupe de faire fonctionner la lumière, le son et les changements de décors pendant le spectacle. C’est à lui/elle de faire en sorte que les lumières changent au bon moment et de même pour la musique.

Les manières d’inventer un spectacle de danse ont beaucoup changé au cours de l’histoire, et donc l’importance accordée au costume a aussi évolué. Mais tu dois te rendre compte que la manière dont est vêtu un danseur/une danseuse est très importante, même s’il ne s’agit que d’un habit de tous les jours, car la première chose que l’on regarde chez un danseur/une danseuse, c’est son corps. Une fois que le danseur/la danseuse est sur scène tout habit devient un costume. Il y a bien sûr une différence entre un costume à proprement parler et un vêtement quotidien. Le travail du costumier/de la costumière consiste donc autant à choisir les costumes en fonction du sens de la pièce qu’à les fabriquer lorsque cela s’avère nécessaire.

Le créateur ou la créatrice son s’occupe de la musique et plus généralement de la bande sonore qui va accompagner la chorégraphie. Son rôle a beaucoup changé au cours de l’histoire. Dans le cas des ballets classiques, on ne parlait pas de créateur/créatrice son car la chorégraphie accompagnait une composition musicale qui était jouée par un orchestre. Il y avait dans ce cas un compositeur/une compositrice qui était aussi l’auteur/e du ballet. Pendant longtemps ensuite on a considéré que la danse devait accompagner la musique. On disait dans ce cas que l’on dansait sur la musique. Mais cette relation entre la danse et la musique a beaucoup changé depuis. La musique n’est plus seulement un morceau musical mais peut être une composition de différents effets sonores. Elle n’accompagne plus la danse mais a sa propre place dans le spectacle, comme la lumière ou la scénographie. C’est la raison pour laquelle on parle de créateur/créatrice son, car il s’agit d’un artiste qui participe à la création du spectacle dans sa dimension sonore.

Le créateur ou la créatrice lumière s’occupe de l’éclairage de la pièce. Évidemment son travail se fait en collaboration avec le/la scénographe car la manière dont on éclaire un espace transforme la manière dont on le perçoit. Son travail est d’une importance capitale car il a le pouvoir de faire voir les choses et donc de créer la manière dont on les voit. Comme le créateur/la créatrice son, le créateur/la créatrice lumière a la possiblité de faire varier l’ambiance et l’atmosphère du plateau, il/elle transforme donc la manière dont les spectateurs/spectatrices vont percevoir la danse.

La danse est un art de l’espace, le danseur/la danseuse bouge toujours dans l’espace. Cet espace peut être la scène d’un théâtre mais aussi une salle de musée ou bien encore une rue à l’extérieur. Le rôle du/de la scénographe est d’habiller cet espace et de le moduler de telle façon qu’il soit en relation avec les gestes dansés. Tu te rends bien compte que ce n’est pas la même chose de danser sur un plateau qui reproduit l’intérieur d’un café (Café Müller, Pina Bausch, scénographie : Rolf Borzik, 1978) et de danser sur un plateau presque vide dans lequel ne flottent que des coussins gris argentés (Rainforest, Merce Cunningham, scénographie : Andy Wahrol, 1968).

Le ou la dramaturge est à l’origine un métier du théâtre. C’est le nom que l’on donne à l’auteur/e de la pièce de théâtre. Le/la dramaturge se distingue donc du metteur/de la metteuse en scène qui n’écrit pas la pièce mais qui la monte, c’est-à-dire, comme son nom l’indique, qui la met en scène. En danse le/la dramaturge joue un rôle un peu différent étant donné que la danse ne met pas en scène un texte. Il/elle aide le/la chorégraphe à développer la pensée qui accompagne sa chorégraphie. La danse, comme tous les arts, ne produit pas simplement des formes mais aussi de la pensée et cherche donc à faire réfléchir les spectateurs/spectatrices. Le/la dramaturge peut écrire des textes qui vont aider le/la chorégraphe dans son travail.

Le ou la chorégraphe est l’artiste qui crée un spectacle avec comme matière principale le mouvement qui naît des corps et des gestes des danseurs/danseuses. Il/elle ne crée pas le spectacle tout/e seul/e étant donné qu’il/elle travaille avec ses interprètes. Il/elle est celui/celle qui, comme son nom le rappelle (chorégraphier veut dire écrire le mouvement), compose et écrit l’enchaînement des mouvements.

Il s’agit là d’une définition classique du/de la chorégraphe. Mais aujourd’hui ce mot peut prendre d’autres sens en fonction du rapport que le/la chorégraphe entretient avec le mouvement et la relation qu’il/elle noue avec ses interprètes. Il ne s’agit plus seulement d’écrire le mouvement comme on écrirait une partition de musique, mais de chercher avec les danseurs/danseuses tout ce que le mouvement peut faire et dire dans sa relation aux choses, aux sons, aux textes, à la parole, à l’émotion, à l’espace…

C’est porter sur une œuvre un jugement. On appelle également « critique de danse » la personne qui émet une analyse d’un spectacle de danse et la diffuse largement à travers la presse écrite, les blogs et les réseaux sociaux.

C’est additionner plusieurs sources lumineuses colorées pour former une nouvelle couleur. Les électriciens/électriciennes du théâtre réalisent de la synthèse additive par le mélange de couleurs à l’aide de projecteurs lumineux. La synthèse additive utilise généralement trois lumières colorées : une rouge, une verte et une bleue (RVB ou RGB en anglais pour red, green, blue).

Dans le domaine artistique, le costume est un ensemble de vêtements et d’accessoires assortis et fait pour être portés ensemble et réalisés par un/e costumier/costumière en étroite collaboration avec le/la chorégraphe. Les accessoires d’habillement tels que chaussures, bijoux, sacs, gants, coiffes et chapeaux en tous genres, font partie du costume.

Une compagnie ou troupe de danse est un groupe de personnes associées dans une volonté de promouvoir une ou des œuvres de danse ainsi que de donner un cadre à la création. La compagnie est généralement dirigée par un/une chorégraphe.

Dans un théâtre, ce sont les personnes qui accueillent le public et facilitent l’accès à la salle. Elles sont véritablement au service du public jusqu’à la fin et quittent le théâtre après les spectateurs/spectatrices. L’équipe d’accueil regroupe plusieurs personnes en charge de différents métiers comme : agents/agentes de sécurité, hôtes/hôtesses de caisse (pour la vente de billets et le retrait des places), chargé/e du protocole (pour les invitations), employé/e chargé/e du vestiaire (pour le dépôt des manteaux et des sacs), ouvreurs/ouvreuses (pour guider les spectateurs/spectatrices à leur place dans la salle), médiateur/médiatrices (pour accueillir des groupes scolaires).

C’est l’art de composer des pièces de théâtre, c’est-à-dire de transformer une histoire en un récit construit comportant un ou plusieurs personnages en action grâce à toutes les possibilités scéniques que contient un texte. Étudier une pièce sous un « angle dramaturgique », c’est alors la penser comme un texte, non à lire, mais à jouer. De nos jours, on appelle dramaturge la personne qui aide le metteur/la metteuse en scène à élucider les enjeux scéniques d’un texte de théâtre (ce n’est donc ni l’auteur/e, ni le metteur/la metteuse en scène). Dans le spectacle vivant, la dramaturgie est surtout employée au théâtre.

Éclairages qui viennent depuis les coulisses et qui sont posés sur le sol.

Éclairages qui viennent éclairer le plateau depuis les côtés de la scène.

Éclairage/projecteur éclairant en sens inverse du regard du spectateur, depuis le fond vers l’avant. Il permet d’accentuer le relief.

Lumière dirigée du bas vers le haut qui permet notamment de créer des effets d’ombres.

Éclairage venant du haut et vertical. Le contraire, du bas vers le haut, est en contre-plongée.

Lumières qui éclairent la scène depuis la salle.

Feuille plastique colorée que l’on place sur les projecteurs pour colorer la lumière. Le plastique utilisé est une matière ignifugée, lui évitant de fondre ou de prendre feu.

Installation électrique qui est reliée à tous les projecteurs et permet au technicien/à la technicienne lumière de contrôler et régler les lumières pendant le spectacle.

Projecteur à lentille Plan Convexe. C’est le plus utilisé au théâtre. Il projette une lumière uniformément répartie.

Projecteur qui suit les mouvements et déplacements d’un artiste. Il est souvent placé sur un trépied pour être équilibré et être manipulé en finesse afin de suivre les mouvements sur scène sans tremblement ni sursaut.

Panneau réfléchissant.

Tissu très léger et transparent. En l’utilisant avec de la lumière et selon la façon de l’éclairer, il permet de faire apparaître ou disparaître un espace.

Tissu ou toile disposé au-dessus de la scène (comme un plafond). Il donne une lumière très diffuse sans direction.

Plan dessiné qui indique où et comment doivent être positionnés et réglés les projecteurs.

Rideau tendu de façon circulaire. Il permet de projeter des lumières ou images en fond de scène.

Pause ou interruption qui sépare le spectacle en plusieurs parties.

Division ou partie d’un spectacle qui peut se repérer par un changement d’ambiance ou de décor. Le tableau d’un spectacle peut correspondre au chapitre d’un livre.

Musique qui est jouée depuis et vers différents endroits.

Musique qui est jouée sur scène, devant le public, pendant le spectacle (en direct).

C’est la force qui attire un corps vers le sol.

C’est la force exercée par la pesanteur sur le corps du danseur/de la danseuse. Le poids peut ainsi influer les mouvements du danseur/de la danseuse qui peut s’y soumettre ou y résister.

Mot utilisé pour parler de la qualité de propagation du mouvement dans le corps. C’est un mot que l’on doit à un grand homme de la danse : Rudolf Laban (1879 – 1958). On parle de flux contrôlé (muscles en relation d’opposition) ou bien libre (muscles en relation de complémentarité).

Action de lutter, de s’opposer à une force, à un corps, à un objet, une idée…

Force qui éloigne ou repousse des corps l’un de l’autre. C’est l’exact inverse de l’attraction.

Force qui rapproche ou qui attire les corps, comme des aimants par exemple. C’est l’exact inverse de la répulsion.

Mouvement qui tourne autour d’un axe. Par exemple, chez le chorégraphe américain Alonzo King, l’axe giratoire du danseur est sa colonne vertébrale.

Quatre artistes dansent ensemble.

Trois artistes dansent ensemble.

Espace sur lequel évolue les artistes, danseurs/danseuses et interprètes.

Proposition spectaculaire qui se déroule en déplacement. Les artistes se déplacent et les spectateurs/spectatrices les suivent tout au long du spectacle.

Les spectateurs/spectatrices sont assis/es autour de tables réparties dans la salle. La scène étant au milieu ou dans le fond de la salle.

Les spectateurs/spectatrices se situent au centre du spectacle et la scène entoure les spectateurs/spectatrices. Les artistes évoluent autour des spectateurs/spectatrices.

Les spectateurs/spectatrices se situent autour de la scène et forment un cercle (arène, cirque).

Les spectateurs/spectatrices se situent sur les quatre côtés de la scène.

Les spectateurs/spectatrices se situent sur trois côtés de la scène.

Les spectateurs/spectatrices se situent sur deux côtés de la scène et se voient.

Les spectateurs/spectatrices sont face à la scène et aux artistes.

Forme artistique qui mêle la vidéo et la danse. La vidéodanse n’est pas une vidéo d’un spectacle de danse, mais elle montre des chorégraphies spécialement créées pour la vidéo. Elles sont, en général, réalisées par un/e auteur/e cinéaste (comme Wim Wenders, Thierry de Mey) et apportent une façon singulière de filmer et de donner à voir la danse. Elles sont très souvent réalisées dans des décors naturels (usine, hangar, plage, etc.).

La présence est la qualité et la force avec laquelle le danseur/la danseuse existe sur le plateau. Force ne veut pas dire ici la force physique mais la force de vie qui habite le danseur/la danseuse. Pour un danseur/une danseuse, être présent/e, ce n’est pas seulement le fait d’être là sur le plateau et d’effectuer des mouvements dansés, mais la manière dont il/elle va marquer l’espace et le temps ainsi que son propre regard. La présence d’un danseur/d’une danseuse c’est quelque chose que tu peux ressentir.

La citation est une manière pour la danse de se rapporter à son passé. La citation est un travail qui permet la conservation des œuvres chorégraphiques mais aussi la possibilité de redanser ses œuvres à notre époque. Un spectacle de danse peut être la citation d’une œuvre complète comme c’est le cas de Un après midi d’un faune par le Quatuor Albrecht Knust, qui est la reprise d’un ballet de Vaslav Nijinski qui porte le même nom. Mais il peut aussi ne citer que quelques phrases chorégraphiques comme c’est le cas de Si je meurs, laissez le balcon ouvert de Raimund Hoghe qui cite Necessito de Dominique Bagouet. Le travail de citation peut se faire de différentes manières : à partir de partition (les mouvements dansés sont écrits sur le papier), à partir de vidéo, à partir des souvenirs du/de la chorégraphe, etc.

Il peut te sembler difficile de voir la différence qu’il y a entre un état de corps et la qualité d’un geste ou d’un mouvement, tant les deux semblent liés. Mais parler de qualité de mouvement permet de préciser la description du geste dansé. De la même manière que la même émotion, comme la colère, peut s’exprimer dans différents états de corps, le même geste peut être effectué selon plusieurs qualités différentes et aura donc un sens différent. Il y a bien sûr la vitesse et la lenteur, la légèreté et la lourdeur mais tu peux aussi parler de la vivacité d’un geste ou encore de sa timidité. C’est à toi de laisser libre cours à ton imagination pour trouver les mots qui exprimeront au mieux ce que tu as vu dans le geste.

L’état de corps est un élément de la posture d’un corps. C’est la manière dont un corps laisse paraître une émotion. On peut parler aussi d’humeur d’un corps. Il peut y avoir plusieurs états de corps pour la même émotion. Tu sais toi même qu’il y a des colères froides retenues qui laissent le corps impassible, et des colères chaudes et explosives qui mettent le corps dans tous ses états. Le travail du danseur/de la danseuse est de jouer avec les variations d’état de corps en exécutant plusieurs gestes dans le même état de corps ou bien en changeant d’état de corps dans la même phrase chorégraphique. C’est pour lui/elle une autre manière de donner un rythme à sa danse.

Le geste est un mouvement du corps qui est porteur d’un sens. Le mouvement dansé peut prendre des formes géométriques (le cercle, la ligne, la diagonale, la spirale) mais il ne se réduit pas à un mouvement mécanique. Tout geste effectué par un danseur/une danseuse part de quelque part pour aller quelque part. Il exprime un désir et possède une direction. Le geste ne se limite pas aux mouvements du corps codifiés par une technique de danse. Serrer la main est un geste, faire la cuisine suppose une quantité de gestes différents. Tous ces gestes, comme le geste dansé, veulent dire quelque chose. Lorsque, dans la cour de récréation, un des élèves se met soudainement à détaler dans la direction d’un autre élève, tu sais à l’avance, rien qu’en regardant sa manière de courir, qu’il cherche à l’attraper. Il y a même certains gestes que tu réussis à deviner en ne regardant que la posture de la personne. Ne sais-tu pas à l’avance quand un de tes camarades va faire une bêtise ? C’est comme si tu pouvais voir dans ta tête les gestes qu’il va faire.

L’interprétation est le fait pour un danseur/une danseuse de donner corps aux idées du/de la chorégraphe. L’interprétation est un travail qui peut prendre plusieurs formes en fonction de la relation qui existe entre les interprètes et le/la chorégraphe. Le chorégraphe Angelin Preljocaj par exemple crée d’abord lui-même la phrase chorégraphique qu’il transmet ensuite aux interprètes. Ils cherchent à la reproduire le plus exactement possible. Dans ce cas le travail d’interprétation consiste pour les danseurs/danseuses à reproduire à l’identique un mouvement que produit le chorégraphe. La chorégraphe Myriam Gourfink travaille différemment. Elle propose à ses interprètes des partitions qui donnent des indications de postures, de gestes et de sensations que les interprètes doivent comprendre et traduire dans leur propre corps. Dans ce cas le travail d’interprétation ne consiste pas à copier un modèle mais à traduire un mouvement dans son propre corps.

L’improvisation est un mode d’exécution d’une séquence de danse sans préparation préalable. Le danseur/la danseuse cherche à ne pas anticiper une forme à laquelle il aurait pensé avant de danser. L’improvisation est donc un exercice qui suppose un effort mais qui offre aussi une grande liberté. Ne pas anticiper est un travail difficile car cela oblige le danseur/la danseuse à ne pas aller dans des chemins qu’il/elle connaît déjà. Mais cet exercice lui permet justement de découvrir des mouvements et des gestes nouveaux. Il est possible de distinguer deux types d’improvisation : l’improvisation libre et l’improvisation guidée. Dans une improvisation guidée le danseur/la danseuse suit une consigne qui lui a été donnée au préalable tandis que dans l’improvisation libre il/elle laisse libre cours à toute son imagination.

C’est l’espace dans lequel on danse pour apprendre, pour s’entrainer, ou encore pour inventer le mouvement. La grande différence entre le théâtre et le studio c’est qu’il n’y a normalement aucun spectateur/spectatrice dans un studio de danse, et que la danse qui s’y danse n’est pas faite pour être regardée. Cependant il y a de plus en plus de studios qui ouvrent leur porte aux spectateurs/spectatrices, à l’occasion par exemple de performances.

Le mot représentation est un mot qui est proche du mot pièce ou spectacle, mais tu t’en doutes, il désigne lui aussi quelque chose de différent. On parle de la représentation d’une pièce. Ce qui veut dire qu’il y a plusieurs représentations d’une même pièce. Lorsqu’un spectacle est programmé dans un théâtre, il peut-être joué plusieurs soirs de suite. Chaque soir a donc lieu une représentation différente. Ce mot permet d’introduire une petite subtilité. À savoir que toutes les représentations de la même pièce sont un peu différentes les unes des autres. Les danseurs/danseuses en parlent souvent. Ils/elles n’ont pas la même énergie, ni la même envie ou plaisir, tous les soirs. La pièce n’a donc pas tout à fait la même puissance chaque soir. Il arrive que certaines représentations soient même ratées, non pas parce que la pièce est mauvaise, mais parce que ce soir là les danseurs/danseuses étaient ailleurs.

Si l’on garde le mot de spectacle c’est qu’il désigne quelque chose de différent des mots chorégraphie, pièce ou performance, tout en restant lié à eux. On parle de spectacle pour un spectacle de cirque, de théâtre, de musique ou de danse. Ce qu’on veut souligner par là, c’est la dimension « spectaculaire » du spectacle. C’est-à-dire le fait que la pièce de théâtre, la chorégraphie de danse, ou la composition musicale sont vues, entendues au moment même où elles sont jouées. Un spectacle suppose la présence de spectateurs/spectatrices. Le spectateur/la spectatrice participe donc autant que le comédien/la comédienne, le danseur/la danseuse ou le musicien/la musicienne au spectacle.

C’est le moment d’une chorégraphie pendant lequel deux danseurs/danseuses dansent ensemble. Cela ne veut pas dire seulement qu’ils dansent en même temps mais qu’ils dansent en relation l’un avec l’autre. C’est donc cette relation qui est le moteur de la danse. À la différence du solo, le duo implique un état de corps qui est perméable à l’autre danseur/danseuse et des gestes qui dialoguent avec les gestes du/de la partenaire.

En danse, un solo est une danse exécutée par une seule personne. L’artiste qui exécute un solo s’appelle un « soliste ».

Le plateau est un autre mot qui permet de nommer la scène. Tandis que la scène désigne la scène du théâtre, le plateau désigne tout type d’espace dont on a décidé à l’avance qu’il aura le rôle d’une scène. Dans un studio par exemple, lors d’une séance de travail, les danseurs/danseuses peuvent décider que telle partie de l’espace sera le plateau. Après cette décision, cet espace obéira aux règles imaginaires de la scène.

La scène désigne l’espace dans lequel est présenté le spectacle. Cet espace est défini de deux manières. Tout d’abord il s’agit d’un espace géométrique. La scène est délimitée par l’avant scène qui est devant le public, le fond de scène et les coulisses sur les côtés. Mais il s’agit également d’un espace imaginaire. Sur scène, les choses se passent différemment de la vie quotidienne : le temps est différent, la lumière est différente, les objets n’ont plus la même fonction. Et c’est pour cette raison que dans le théâtre traditionnel (théâtre dit à l’italienne) il y a une séparation entre le public qui est dans le gradin et le plateau, car quand on monte sur le plateau on change de monde.

Ce mot désigne un moment du processus de création. Un même spectacle peut être créé en plusieurs fois et en plusieurs lieux. On dira donc à chaque fois qu’une compagnie de danse occupe un espace pour se consacrer à la création de la pièce qu’elle entre en « résidence ». Différents espaces peuvent servir de lieux de résidence : le théâtre, le studio ou les différents lieux de la danse (les centres de développement chorégraphique, les centres nationaux chorégraphiques).

Le processus de création désigne à la fois la période pendant laquelle le spectacle va être inventé ainsi que la manière de l’inventer. Dans le cas d’un spectacle de danse classique comme dans le cas d’une pièce de théâtre, on met en scène un texte ou une histoire qui existe déjà. Le Lac des cygnes est au départ la création musicale du compositeur Russe Piotr Ilitch Tchaïkovski. Ce ballet a été ensuite mis en scène par plusieurs chorégraphes depuis la date de sa composition (1875-1876) jusqu’à aujourd’hui. Dans le cas des spectacles de danse contemporaine, le/la chorégraphe et les danseurs/danseuses procèdent autrement. Le spectacle de danse se crée d’une autre manière. Ils peuvent partir d’un bout de texte, d’une idée, d’une histoire, d’un geste particulier ou même d’une matière. Et c’est au cours du « processus de création » que va se construire le spectacle, que le/la chorégraphe et les danseurs/danseuses vont inventer les mouvements et leur enchaînement.

C’est le mot qu’on utilise pour désigner une composition chorégraphique. Tu remarqueras qu’il vient du théâtre, dans lequel il désigne le texte qui va être mis en scène (L’avare est une pièce de théâtre écrite par Molière). La pièce de danse c’est donc l’œuvre chorégraphique, qui a un début et une fin, formant ainsi une unité, et qui existe indépendamment du moment où elle va être jouée sur scène. Tu vois donc qu’on ne peut pas parler de pièce de danse dans le cas d’une performance, car dans ce cas le spectacle de danse n’existe pas indépendamment du moment où il est joué.

Le mot performance est un mot récent. Il n’est utilisé que depuis une quarantaine d’années. Il désigne une nouvelle façon de faire un spectacle de danse qui a trois caractéristiques principales. La première est que ce spectacle n’est joué qu’une seule fois ou très peu de fois. La seconde est qu’il est joué dans d’autres lieux que le théâtre qui n’ont pas de liens directs avec lui (la rue, le musée, un immeuble ou une place). La troisième est que ce spectacle remet en question ce qu’on appelle les règles du spectacle traditionnel. Par exemple, étant donné qu’il a lieu en dehors du théâtre dans un espace où il n’y pas de gradin, le spectateur/la spectatrice se retrouve debout et parfois même au milieu des danseurs/danseuses. Étant dansée qu’une seule fois, la performance joue sur l’effet de surprise, de choc et tend toujours à disparaître. La performance ne qualifie pas seulement le spectacle de danse mais toute expression artistique qui réunit ces caractéristiques.

Certains spectacles de danse, comme les grandes œuvres du ballet classique, font partie de ce qu’on appelle un répertoire. Elles peuvent être mises en scène par différentes compagnies de danse à différents moments. Une création est au contraire une pièce inédite, c’est-à-dire qu’elle vient juste d’être créée et qu’elle est jouée pour la première fois. Une création, une fois qu’elle a été jouée pour la première fois, peut ensuite partir en tournée et donc être jouée dans plusieurs théâtres sur plusieurs années. Une compagnie de danse peut faire de nouvelles créations et continuer à jouer des pièces plus anciennes en même temps.

La coulisse est la partie d’un théâtre située sur les côtés et en arrière de la scène, derrière les décors. Cette partie est cachée au spectateur/à la spectatrice. La coulisse n’est pas seulement l’endroit où les danseurs/danseuses attendent avant de rentrer sur scène, elle participe à la construction de l’espace imaginaire de celle-ci.

Côté cour est le côté de la scène qui est à droite du spectateur/de la spectatrice. Côté jardin est le côté de la scène qui est à gauche du spectateur/de la spectatrice.

La posture est la position du corps dans l’espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique… Tu peux aussi t’apercevoir qu’en fonction de ton état (fatigue, joie, tristesse, etc.), tu ne te tiens pas toujours debout de la même manière. La posture n’est donc pas le fait d’être debout immobile. Elle est la relation de ton corps à l’espace, au sol, à son poids, à ses émotions et son histoire. On ne se tient pas tous debout de la même manière. On marche tous d’un pas différent. Si tu regardes les photos qui suivent, tu peux voir que les postures reflètent des états de corps différents, mais sont aussi caractéristiques de certains styles de danse.

Buster Keaton dans Bad Luck

Israel Galvan dans La Edad de Oro

Rudolf Noureev*, danseur étoile,
puis directeur de l’Opéra de Paris

Un homme se tient debout
sur la place Taksim d’Istanbul

Elles peuvent aussi exprimer des attitudes très précises, comme ce jeune garçon qui a tenté de se tenir debout immobile plus de 24h sur cette place d’Istambul en Turquie en signe de résistance contre le gouvernement.

Eduard Manet,
étude parisienne d’Ellen Andrée, 1874

Chorégraphier signifie écrire le mouvement. Mais le mot écriture prend ici un sens particulier. Le/la chorégraphe n’écrit pas le mouvement comme un compositeur/une compositrice écrit de la musique ou bien comme l’écrivain/écrivaine écrit un roman : il/elle n’écrit ni un texte, ni une partition de musique. Le/la chorégraphe invente du mouvement dans des gestes et des figures pour délivrer une pensée à travers le corps. Certaines manières de chorégraphier peuvent se rapprocher de l’écriture lorsque le/la chorégraphe cherche à produire des gestes précis.